lunes, 7 de enero de 2019

Cómic sobre la música en el Barroco

Este es el enlace para descargar las preguntas de comprensión del cómic sobre la música en el Barroco. El texto para leer de este cómic estará, como es normal, en la Biblioteca Musical Virtual.

domingo, 6 de enero de 2019

Retratos de compositores del Barroco

A continuación se pueden bajar los retratos de compositores del Barroco, para seguir rellenando la lámina de los compositores en la Historia de la Música.

sábado, 5 de enero de 2019

Tema 4º: Música vocal barroca

Entre finales del siglo XVI y comienzos del XVII hubo un importante cambio en el estilo musical europeo. Es el comienzo de lo que se denomina el Barroco, periodo de la historia del arte que dura aproximadamente hasta mediados del siglo XVIII (dependiendo más o menos de los diferentes países). Por tanto, hablamos de un largo periodo de 150 años más o menos, donde no sólo la música, sino todas las artes tuvieron un gran esplendor en Europa. De hecho, en España estos años, junto con el siglo XVI, se conocen con el nombre del “Siglo de oro español”, por el gran talento de sus artistas. Nos referimos a escritores como Cervantes, Quevedo, Calderón, Lope de Vega,… Pintores como Velázquez, Murillo, Zurbarán,… En Europa también habrá escritores como Shakespeare y pintores como Rubens.

Pero no sólo en arte floreció la cultura europea de esta época. En cuanto a la ciencia, por ejemplo, aparece un nuevo tipo de ciencia que será el inicio de la ciencia moderna; toda una revolución científica de la mano de personajes como Copérnico, Kepler y Galileo.

Y en cuanto a música se refiere, habrá dos importantes características en este periodo. Por un lado, que la música será patrocinada y financiada por grandes príncipes y reyes de la época, pues para ellos la buena música era un símbolo para mostrar su poder al pueblo. Y por otra parte, a diferencia del Renacimiento, donde el estilo musical era muy homogéneo y parecido en todos los países, en el Barroco empieza a haber estilos musicales diferentes según el país, y así hablamos de un estilo barroco italiano y un estilo barroco francés.

Podemos decir que en el Barroco, a diferencia de los periodos anteriores, la música instrumental adquirió una importancia similar a la de la música vocal, cosa que no ocurría en el Renacimiento ni en la Edad Media, donde la música vocal predominaba muy por encima de la instrumental.

Sintetizando mucho, diríamos que las principales características de esta nueva música barroca serían las siguientes:

- Utilización del bajo continuo.
- Ritmo medido e incisivo.
- Utilización del estilo concertato.
- Se pasa de una armonía modal a una tonal.


El bajo continuo es sin duda la característica más importante, la que mejor define a la música barroca. De hecho, hay autores que a este periodo, en vez de Barroco, lo llaman como la época del bajo continuo, pues esta característica musical nace con el Barroco y muere con él (o sea, desaparece al terminar el periodo).

Si en la música del Renacimiento los compositores sabían que al componer polifonía todas las voces eran igual de importantes, en la música barroca no será así. Los compositores ahora prestarán mucha atención sobre todo a la voz más aguda, que llevará todo el interés de la melodía. Y en segundo lugar, esa melodía se apoyará en una voz grave (el bajo), que será la segunda voz (o parte) más importante de la música. El resto de voces o partes intermedias no serán tan importantes, y de hecho a menudo no se escribían, sino que estas partes intermedias (entre el bajo y la melodía aguda) se improvisaban con algún instrumento.

Pues con esta forma de componer surge en el Barroco el llamado bajo continuo, que es la forma más habitual de acompañar la música de la época. Consiste en una melodía grave sobre la cual se apoyan las partes principales más agudas. Además, a partir de esta melodía grave, un instrumento polifónico improvisa un acompañamiento de acordes (lo que se llama el continuo).

De esta manera, habrá una serie instrumentos que serán los que habitualmente hagan esta parte de bajo continuo, donde generalmente tocan al menos dos músicos: uno tocará el bajo y otro tocará el continuo. Como instrumento de bajo solía haber un violonchelo, una viola da gamba o un fagot. Y como instrumento de continuo solía emplearse un instrumento de cuerda pulsada o uno de teclado (órgano o clave).

En cuanto al ritmo se refiere, la música del Barroco es a menudo de ritmo muy marcado e incisivo. Esto quiere decir que se suele basar en pequeños esquemas rítmicos que se repiten de manera obsesiva a lo largo de una composición musical, como si fueran la energía que proporciona la fuerza continua a un motor. Esto se nota sobre todo en la música instrumental barroca. En definitiva, una música y un ritmo muy diferente a la del Renacimiento.

El estilo concertato (o concertante también se dice) es otra de las grandes novedades de la música de este periodo. Se empezó a utilizar en la catedral de San Marcos, en Venecia, entre finales del siglo XVI y comienzos del XVII. Allí se puso de moda entre los compositores de aquel templo el utilizar varios coros repartidos entre distintas zonas de esa amplia catedral. De esta manera las obras musicales resultaban ser como un juego o diálogo entre los distintos coros: unos preguntaban, otros respondían; se pasaban las melodías de un coro a otro como si de un juego se tratase. A veces sólo cantaba una parte de los coros, y otras veces cantaban todos los coros a la vez. Más adelante, se sustituyeron algunos coros por grupos de instrumentos, de modo que muchas de las obras combinaban tanto voces como instrumentos.

En suma, “concertar” o “concertare” significa llegar a un acuerdo entre todas las partes (de ahí viene la palabra “concierto”, o sea, estar todos de acuerdo). Y así, el estilo concertato consiste en contraponer entre sí diversos grupos instrumentales y/o vocales en una misma obra musical.

La cuarta y última de las características antes mencionada de la música barroca es que se pasa de una armonía modal a una tonal, es decir, que las melodías cada vez se basaban menos en las escalas antiguas medievales, y más en las escalas tonales modernas, escalas diatónicas mayor y menor.

En lo que respecta sólo a la música vocal (o sea, música para cantar), mucha de esta música era simplemente lo que se denomina “monodia acompañada”. Este tipo de música era la más sencilla que podía emplearse en el Barroco, y consistía en una melodía para cantar, que se acompañaba únicamente de bajo continuo. Así se compuso muchísima música durante el Barroco.

Las principales formas musicales (o sea, tipos de música) que surgieron en este periodo son las siguientes, tanto en música profana como religiosa:

- En música profana: la ópera.
- En música religiosa: el oratorio, la cantata y la pasión.

Por supuesto que varias de las formas musicales del Renacimiento siguieron componiéndose durante el Barroco: motetes, madrigales, villancicos… Pero las anteriormente citadas son las nuevas formas que se inventaron en esta época.

La ópera fue el gran invento musical del Barroco. Antes del Barroco no existía la ópera, si acaso algunas obras de teatro con algo de música se le podían parecer, pero no eran óperas.

Podemos definir la ópera como una obra teatral cantada, con música desde el principio hasta el final, que nace en el Barroco. Para montarse precisa de escenario, orquesta, coro y solistas. En su música alterna recitativos, arias y piezas para coro.

Inicialmente este espectáculo de la ópera surgió en Italia, concretamente en la ciudad de Florencia, entre la gente de la nobleza. Sin embargo, se convirtió muy pronto en un espectáculo de tanto éxito y popularidad, que en poco tiempo se extendió por toda Italia, y luego por Europa. Tan sólo en la ciudad de Venecia llegó a haber cerca de veinte teatros, la mayoría de ellos con representaciones de ópera casi a diario.

Otro gran invento de este periodo sería un nuevo modo de cantar, que se utilizó tanto en la ópera como en la música religiosa. Recibió el nombre de recitativo, y consistía en declamar una poesía semicantándola, o sea, a medio camino entre cantar y recitar. Este modo de cantar se acompañaba únicamente de bajo continuo.

Sin embargo, resultaba demasiado monótono y aburrido el cantar toda una ópera en estilo recitativo. Por eso, para variar este estilo, había varias partes de la ópera que se denominaban arias. Un aria consistía en una melodía para cantar muy adornada, que se acompañaba generalmente de la orquesta.

Así, las óperas resultaban ser una combinación de recitativos, arias, y de vez en cuando alguna pieza para coro o para instrumentos sólo. De este modo, las óperas resultaban mucho más amenas y variadas, incluso aunque duraran varias horas.

Conforme la ópera se hacía más y más popular en Italia, surgieron varios tipos de ópera, fundamentalmente dos.

Por un lado, había un tipo de ópera seria, que era de carácter aristocrático, y sus temas y personajes provenían de la mitología y de los dioses de la Antigüedad.

Por otro lado, había también la llamada ópera bufa. Esta ópera era de carácter más popular, donde sus protagonistas eran personas provenientes de la clase media. A menudo había aquí algunas escenas y personajes que eran cómicos.

La gran popularidad de la ópera pasó desde Italia a todos los países de Europa, donde surgieron unos tipos de ópera con características algo diferentes a las de Italia.

En España, por ejemplo, surgieron unos espectáculos de teatro con música donde se alternaban partes cantadas con partes habladas. Había dos tipos: la zarzuela y la tonadilla.

La zarzuela solía ser una obra larga, y su nombre proviene del palacio que los reyes españoles tenían a las afueras de Madrid, donde se representaban estas obras teatrales con música (en el Palacio de la Zarzuela).

La tonadilla era generalmente una obra teatral de corta duración y con música. Eran obras divertidas, y se representaban a menudo escenas de la vida cotidiana española de aquella época.

En Francia y en Inglaterra también surgieron tipos de óperas propias. En Francia sería un italiano, Lully, el creador de la ópera francesa. Y en Inglaterra triunfaría un alemán (Georg Friedrich Händel) como el gran compositor de óperas inglesas de aquel país.

Hubo muchos compositores importantes de ópera durante el Barroco, y como es lógico pensar, la gran mayoría de ellos fueron italianos, puesto que allí nació la ópera. Algunos de los más importantes compositores de ópera barroca fueron:

- En Italia: Claudio Monteverdi.
- En Francia: Lully.
- En Inglaterra: Georg Friedrich Händel.

Claudio Monteverdi es uno de los más grandes compositores de toda la historia, y fue muy importante porque vivió entre los siglos XVI y XVII, de manera, que resultó ser el compositor que cerró el Renacimiento (componiendo numerosos madrigales) y abrió el nuevo estilo barroco en Italia.

En lo que se refiere a la música vocal religiosa del Barroco, una importante característica de esta música sería el policoralismo, que como su propio nombre indica, consiste en utilizar dos o más coros en una misma obra. Esta forma de componer a varios coros se puso de moda primeramente en Venecia, igual que el estilo concertato que se comentó anteriormente.

Como ya se ha dicho, las nuevas formas de música vocal religiosa aparecidas en el Barroco fueron el oratorio, la cantata y la pasión.

El oratorio es una forma vocal religiosa de carácter narrativo, pero sin representación escénica, donde se canta un drama basado en la Biblia. Intervienen orquesta, coro y solistas, y en su música alterna recitativos, arias y piezas para coro.

Por tanto, la diferencia fundamental con la ópera es que en el oratorio no se actúa como se hace en la ópera, y además, como es lógico, la historia que se narra está basada en la Biblia. Pero por lo demás, la música es bastante parecida, pues alterna recitativos y arias, igual que en la ópera.

Por su parte, la cantata es una forma vocal sobre un texto de carácter lírico, que puede ser profano o religioso. También en su música intervienen orquesta, coro y solistas, y alterna recitativos, arias y piezas para coro.

Las cantatas solían ser obras no demasiado largas (máximo 15 o 20 minutos), a diferencia de los oratorios, que podían durar dos horas o más. Pero lo característico de la cantata es que se canta un poema, no se narra ni se cuenta ninguna historia como en el oratorio.

Las primeras cantatas barrocas empezaron siendo profanas, pero cada vez se compusieron más cantatas religiosas, que fueron las que acabaron por predominar. Johann Sebastian Bach sería el gran compositor barroco de cantatas.

La pasión es una especie de oratorio donde la historia que se narra es siempre la misma, la pasión y muerte de Cristo, basándose en alguno de los cuatro evangelistas que la cuentan. Por tanto, es también una forma vocal religiosa sin representación escénica. E igual que en el oratorio y la cantata, intervienen orquesta, coro y solistas, y en su música alterna recitativos, arias y piezas para coro.

Muchos y grandes fueron los compositores que escribieron música religiosa durante el Barroco en los distintos países de Europa, si bien los alemanes y los italianos quizás fueron los que más sobresalieron. Algunos nombres que conviene conocer, por ser tal vez de los más importantes de esta época, fueron:

- Alessandro Scarlatti fue un importante compositor de cantatas.
- Georg Friedrich Händel compuso importantes y famosos oratorios.
- Johann Sebastian Bach es el principal compositor de música barroca religiosa, y uno de los más importantes compositores de la historia. Se conservan de él dos pasiones y más de doscientas cantatas.

domingo, 4 de noviembre de 2018

Cómic sobre la música en el Renacimiento

En el siguiente enlace pueden descargarse las preguntas de comprensión correspondientes al cómic sobre la música en el Renacimiento, que igual que las del cómic anterior, deberán entregarse antes de final de año (en la primera quincena de diciembre). Y como ya saben también los alumnos, la lectura de este cómic se encuentra disponible, como siempre, en la Biblioteca Musical Virtual.

sábado, 3 de noviembre de 2018

Retratos de compositores del Renacimiento

En el enlace de abajo pueden obtenerse los retratos de compositores del Renacimiento, como siempre para poder rellenar la lámina correspondiente a los compositores en la Historia de la Música.

viernes, 2 de noviembre de 2018

Tema 3º: Música profana e instrumental del Renacimiento

Durante la Edad Media la música religiosa era la predominante. Aunque sin duda existía un repertorio importante de música profana, lo cierto es que su cantidad (y quizás también su calidad) es mucho menor en comparación con la religiosa.

Por otra parte, los instrumentos estaban muy mal visto por la Iglesia en la Edad Media, incluso eran perseguidos aquellos que tocaban algún instrumento dentro del templo.

Sin embargo, con la llegada del humanismo en el Renacimiento esta situación cambió. Empezó a crearse un importante repertorio de música profana, buena parte de ella vinculada a la danza cortesana, y los instrumentos musicales empezaron a tomar una importancia notable, pues ya dejaron de estar perseguidos.

La imprentan musical contribuyó sin duda a la difusión de esta música profana e instrumental. No obstante, no debe olvidarse que a pesar de este importante despegue, la música religiosa aún seguía siendo más numerosa que la profana.

En diferentes lugares de Europa empezaron a florecer durante el Renacimiento distintos tipos de canción profana. Las características de estas canciones profanas se  pueden resumir en:

- Se esfuerza por transmitir musicalmente el contenido del texto.
- Predominan las obras sobre asuntos amorosos o de descripción de la naturaleza.
- Casi siempre se acompañan de instrumentos.

Pretendían estos compositores que hubiera una estrecha relación entre el texto que se canta y la música, de manera que la música tratara de expresar con sonidos los sentimientos, los conceptos y las situaciones que el texto describe. Así, por ejemplo, si la canción hacía referencia al agua o al viento, se procuraba que la música también describiera con sonidos cómo hace el agua o el viento.

Las formas musicales de esta música profana reciben distinto nombre según los países en los que se originó:

- En Italia: el madrigal.
- En Francia: la chanson.
- En España: el romance, el villancico y la ensalada.

El madrigal, nacido en Italia y cantado por tanto originalmente en italiano, es quizás la más importante de esta música profana, la que mejor expresa esa estrecha relación entre la música y el contenido del texto que se canta. En otros países europeos también se cultivó el madrigal a imitación de los compositores italianos.

Claudio Monteverdi sería el compositor italiano más importante de madrigales. Monteverdi es considerado uno de los compositores claves en la Historia de la Música. Vivió entre los siglos XVI y XVII, y es por tanto uno de los últimos compositores del Renacimiento, y uno de los que abrirá el nuevo periodo Barroco.

En España hubo varios tipos de canción profana en el Renacimiento. Por un lado estaba el romance, que era un largo poema típicamente español en versos octosílabos (de ocho sílabas),  generalmente de carácter narrativo sobre alguna historia épica. Este largo poema solía cantarse, y así surgió el romance como forma musical.

También estaba el villancico, que era un tipo de canción española con estribillo y copla, y que inicialmente no era de carácter navideño (sólo después se convirtió en una canción de Navidad). Juan del Encina es el principal compositor de villancicos de esta época. Hombre de gran cultura que trabajó para los duques de Alba, era, además de músico, gran escritor y poeta. Se le considera el inventor del teatro español.

En Cataluña se cultivó un tipo de canción propia que recibió el nombre de ensalada, porque en ella se mezclaban fragmento de diverso tipo y diferente carácter, pasando bruscamente de una parte a otra. Era una mezcla de músicas diferentes en una misma obra, de ahí el nombre de ensalada (que mezcla ingredientes diversos). Mateo Flecha es el principal compositor de ensaladas musicales.

Respecto a la música instrumental, ésta fue adquiriendo cada vez mayor importancia y protagonismo a medida que avanzaba el Renacimiento. Podemos considerar que había cuatro grandes grupos de música instrumental:

- Composiciones basadas en la música vocal.
- Composiciones basadas en la improvisación.
- Composiciones basadas en la técnica de la variación.
- Composiciones que proceden de las danzas.

El primer grupo estaba formado por música inicialmente vocal (tanto religiosa como profana) que en vez de cantarse se interpretaba con algún instrumento (un órgano, un clave, un laúd), o algún conjunto instrumental (de violas, de flautas, etc.).

El segundo grupo lo formaba música improvisada, es decir, música que se inventaba y se creaba sobre la marcha, improvisando. Así solían hacer muchos intérpretes de órgano, clave o laúd.

En tercer lugar había música instrumental basada en la técnica de la variación. Utilizando una canción previa, normalmente bien conocida por el público, se tocaba con el instrumento dicha canción repitiéndola una y otra vez, pero siempre variándola en alguno de sus elementos, cambiando la melodía, la armonía o el ritmo.

Finalmente, un último grupo lo constituye la música de danza. En el Renacimiento la danza formaba parte de las reuniones sociales. Cualquier persona de clase alta y buena educación debía saber bailar correctamente para relacionarse en sociedad.

Hubo varios tipos de danza en los diferentes países europeos, que recibían distintos nombres. Algunas de las más importantes (y que después formaron parte de la suite instrumental barroca) fueron: la pavana, la gallarda, la gavota y la zarabanda. La pavana y la zarabanda eran danzas españolas.

La música instrumental española fue importante en esta época especialmente en dos instrumentos: la vihuela y el órgano.

La música para órgano española era considerada de la mejor de Europa en el Renacimiento, y un compositor, Antonio de Cabezón, fue el organista más elogiado de su tiempo. Nacido en Burgos, era ciego de nacimiento, lo que no le impidió desarrollar su gran talento para la música. En toda Europa se hablaba de él y de su gran capacidad para improvisar al órgano.

La vihuela española es un instrumento de cuerda pulsada típicamente español, muy utilizado en España antes de que existiera la guitarra. Durante el Renacimiento surgieron grandes músicos españoles de este instrumento tan apreciado en la música de palacio. Algunos de los más importantes vihuelistas fueron: Luis de Milán, Luis de Narváez y Alonso de Mudarra (éste último era sevillano).

jueves, 1 de noviembre de 2018

Tema 2º: La polifonía religiosa del Renacimiento

Al terminar la Edad Media, con el inicio del Renacimiento, una nueva forma de vivir y de pensar empezó a difundirse por toda Europa. Si durante la Edad Media todo el pensamiento y buena parte de la forma de vivir giraba en torno a Dios y a la Iglesia, a partir del siglo XV el humanismo supuso considerar al hombre como centro de atención en todas las actividades: el arte, la política, la ciencia, los edificios, etc. La palabra “Renacimiento” significa “renacer”. Y lo que en esta época renace es un nuevo interés por la cultura de la Antigüedad Clásica, es decir, la de la antigua Grecia y del antiguo Imperio Romano; una cultura que durante mil años había quedado en buena parte escondida durante la Edad Media, y que ahora renace con gran esplendor.

Desde el punto de vista artístico, el Renacimiento es uno de los periodos más ricos e importantes de la Historia. Comenzó en el siglo XV y se extendió durante todo el siglo XVI. Importantes construcciones (iglesias y palacios) muestran lo grande que fue esta época para el arte. También pinturas y grandes obras literarias nos dan idea del esplendor de este tiempo. Podemos observar cómo las pinturas y esculturas del Renacimiento no son siempre religiosas, sino que la mitología griega y romana fue uno de los temas preferidos por los artistas de ese periodo. Estas pinturas serían impensables en la Edad Media, donde lo no religioso estaba prácticamente prohibido, incluso era perseguido.

Un hecho de gran importancia tuvo lugar en este tiempo. Nació el protestantismo, y con ello la Iglesia Católica vio nacer otras iglesias cristianas, pero que ya no seguían las directrices del Papa de Roma. La principal de esas iglesias protestantes será la de Martín Lutero. Todo este revuelo religioso tuvo repercusiones en la música de la época.

En el Renacimiento los compositores españoles estaban entre los más importantes del mundo, a la altura de cualquier otro compositor italiano o franco-flamenco. Hay que tener en cuenta que en estos siglos España se convierte en el principal imperio y la principal potencia mundial, pues incluía todos los territorios descubiertos y conquistados en América, además de buena parte de los territorios del centro y el norte de Europa.

En lo que a la música se refiere, un nuevo estilo musical surge con el Renacimiento en el siglo XV en los territorios de los Países Bajos, y desde allí se extendió a países como Francia, España e Italia.

Como resumen de las características que marcaron a este periodo del Renacimiento podemos citar las siguientes:

- Se coloca al ser humano como centro de interés (antropocentrismo y humanismo).
- Hay un gran interés por la cultura antigua de Grecia y Roma.
- Se produce la separación entre la Iglesia Católica de Roma y las iglesias protestantes.
- Es una época de grandes descubrimientos (como América) y de grandes inventos (como por ejemplo la imprenta).

La invención de la imprenta tuvo una enorme repercusión para la difusión de la cultura. Durante la Edad Media todos los libros eran manuscritos, lo que significaba que eran muy costosos de realizar y muy escasos; solo algunos privilegiados podían tener algún libro manuscrito. Pero la imprenta posibilitó que se pudieran hacer miles de copias de un libro, y por tanto que fuera más fácil y barato conseguir algún ejemplar. También la música empezó a imprimirse pronto en esta época.

El nuevo estilo musical que se extendió por toda Europa desde los Países Bajos tenía las siguientes características:

- Es siempre música polifónica, tanto polifonía vocal como instrumental.
- Todas las voces de una obra tienen la misma importancia (algo que no ocurría en la Edad Media, donde la voz aguda era la más importante).
- Su ritmo es medido y regular.
- Los compositores buscan que haya una estrecha relación entre la música y el contenido del texto que se canta.

Aunque no toda la música del Renacimiento era religiosa, sí podemos decir que la música religiosa tiene una importancia primordial, pues la Iglesia seguía teniendo un gran poder en esta época en todos los terrenos (y también en el artístico).

Además, al hablar música religiosa, si bien la música de la Iglesia Católica era la más importante, no debemos olvidar que hay que considerar también la música de las iglesias protestantes que acababan de crearse, en especial la de Martín Lutero. El propio Lutero era músico y compuso tanto textos como melodías para su iglesia protestante. Él pensaba que los fieles debían participar en las ceremonias cantando, a diferencia de la Iglesia Católica, donde sólo cantaba el coro de profesionales. Es por ello que los cánticos de la iglesia luterana (llamados corales) debían cantarse en alemán, que era la lengua que la gente hablaba en sus iglesias.

Las principales formas musicales de polifonía religiosa durante el Renacimiento eran:

- En la Iglesia Católica: la misa y el motete.
- En la Iglesia Protestante de Lutero: el coral.

El motete en esta época no tiene nada que ver con el motete de la Edad Media. En el Renacimiento el motete era una pieza musical exclusivamente religiosa, y por tanto se cantaba en latín (la lengua de la Iglesia Católica). Era una obra de corta duración (unos pocos minutos), donde se cantaba un texto religioso sobre algún personaje bíblico o sobre algún acontecimiento de la Biblia (la Navidad, los Reyes Magos, la Virgen María, etc.).

Por el contrario, la misa era una obra más larga, pues tenía varias partes, consistentes en cantar con polifonía el mismo texto que se utilizaba en la ceremonia religiosa de la misa. Así, las partes de las que constaba una misa polifónica eran: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus y Agnus Dei. Es decir, las mismas partes y los mismos rezos de una misa ordinaria.

El coral protestante era inicialmente una música monódica, pues solían ser melodías bien conocidas por el pueblo, a las cuales se les ponía un texto religioso en alemán para cantar en las iglesias. Sólo posteriormente empezaron a componerse estos corales en música polifónica.

Uno de los acontecimientos más importantes de esta época fue el Concilio de Trento. Como todos los concilios, es una reunión que convoca el Papa de Roma y a la que acuden los más altos cargos de la Iglesia (arzobispos y cardenales). Estos concilios se convocan por alguna causa o acontecimiento importante, y en el caso del Concilio de Trento se convocó para tratar el asunto de las iglesias protestantes que se estaban separando de la Iglesia Católica de Roma. Es lo que se conoce con el nombre de Cotrarreforma (es decir, una reacción contra la Reforma de Martín Lutero).

Muchos fueron los asuntos que se trataron en ese concilio, y algunas de las normas que se dictaron en él afectaban directamente a la música que debía cantarse en las iglesias católicas. En concreto, el Concilio de Trento impuso dos cualidades a la música religiosa:

- Que se eliminara de la música religiosa cualquier elemento que fuera profano.
- Que el texto de la obra musical se pudiera entender fácilmente al cantar.

Hay muchos compositores importantes en este periodo, uno de los más grandes periodos en la Historia de la Música. Los compositores franco-flamencos fueron los primeros en desarrollar este nuevo estilo del Renacimiento, y por ello están entre los más importantes de esta época. Algunos de los más conocidos fueron: Johannes Ockeghem (siglo XV), Josquin Desprez (que vivió entre los siglos XV y XVI), y Orlando di Lasso (siglo XVI).

Sin embargo, entre los más grandes compositores de este tiempo se encuentra el italiano Giovanni Pierluigi da Palestrina, considerado uno de los más grandes de toda la historia (como Bach, Mozart, y otros).

También los compositores españoles del Renacimiento están entre los principales de esta época, como Tomás Luis de Victoria, y los sevillanos Cristóbal Morales y Francisco Guerrero.


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